La nueva película de Steve McQueen presenta credenciales.

Si echamos de menos una película en el pasado Festival de Cannes, ésa fue sin duda la tercera obra del director londinense Steve McQueen, uno de los nombres más prometedores del panorama cinéfilo actual tras las dos magníficas películas con las que le conocimos: Hunger y Shame. Ahora McQueen parece cerrar un ciclo/trilogía sobre aquello que nos separa de la libertad con 12 Years a Slave, basada en el relato autobiográfico de Salomon Northup, un hombre libre que fue secuestrado y reducido a la esclavitud en una plantación de Louisiana. Ya os hemos comentado en otras ocasiones su gran reparto pero no está de más recordarlo: Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Brad Pitt, Benedict Cumberbatch, Paul Giamatti, Michael K. Williams, Paul Dano, Garret Dillahunt, Quvenzhané Wallis los que conforman sin duda un plantel de una de las más esperadas películas del año, os dejamos con las primeras imágenes de 12 Years a Slave.

Vía USA Today

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Pixar lo hace de nuevo.

Las precuelas de películas en las que se nos narran hechos que sucedieron antes de las originales y nos ayudan a comprender aspectos de las mismas están cada vez más en alza. En los últimos años tenemos numerosos ejemplos, siendo las más recientes Prometheus, precuela de Alien, El Hobbit, de El señor de los anillos, u Oz, un mundo de fantasía, de El mago de Oz. Y no es algo exclusivo del cine, en televisión también tenemos ahora mismo en series como Bates Motel o Hannibal, que recrean los orígenes de los dos distintos psicópatas. Pixar se sube a este carro (para decepción de muchos) con Monstruos University, que nos cuenta los acontecimientos que tuvieron lugar unos 10 años antes de la historia que nos contaba aquella joya de la compañía de animación que es la excelente Monstruos S.A.. Los entrañables y carismáticos Mike y Sulley como protagonistas son el principal reclamo de esta ¿nueva? historia. Monstruos S.A. era un canto a la amistad y al trabajo en equipo, pero toda amistad, por muy buena que sea, tiene unos comienzos, y en algunas ocasiones no demasiado buenos. En Monstruos University nos vamos a encontrar que, para nuestra sorpresa, cuando estudiaban, Mike era un empollón mientras que Sulley era un chulito. Dos personalidades opuestas condenadas a entenderse. Ya sabemos cómo acabará la cosa.

Pero a pesar de ya sabernos la historia (aunque al principio se llevan mal, se van a hacer amigos, y aunque lo desea mucho, Mike no será asustador) todos los problemas que esto pudiera provocar se compensan gracias grandes dosis del mejor cine de aventuras, con trepidantes carreras, persecuciones y pruebas que no dan tregua al espectador. Lo que podría haber sido una historia manida sobre los inicios de la amistad, se convierte en una película que sí, cuenta lo mismo de siempre, pero evitando caer en cualquier lugar común, convirtiendo a los personajes en perdedores realistas. El principal hándicap con el que se encontraba Monstruos University, aparte de las inevitables comparaciones, era el de la falta de originalidad: todo estaba ya inventado en Monstruos S.A.. Sin embargo, aunque evidentemente tiene siempre como referencia a su predecesora, Monstruos University se erige como una película autónoma, con suficiente entidad propia como para poder salir adelante por sí sola, precisamente por no recurrir constantemente a la primera, sólo en los aspectos justos y necesarios.

El casi debutante en la dirección Dan Scanlon (esta es su segunda película), aunque lleva trabajando en animación unos 10 años, es el director más joven al que se le ha encomendado la realización de un largometraje de Pixar, pero su labor es impecable: la película es técnicamente deslumbrante en su creación de toda una imaginería visual y musical en torno al mundo de la universidad. La precisión en la recreación en los ambientes, que parece inspirado en la pintura hiperrealista, contrasta con la libertad imaginativa del enorme repertorio de personajes, la mayoría desternillantes y estupendamente bien tratados. Son las ventajas de que a los protagonistas ya les conozcamos, que el guión se puede recrear en darles detalles propios y personalidad a todos los secundarios, además del cuidadísimo aspecto físico de todos ellos.

La película es consecuente con su predecesora-sucesora siempre que tiene que serlo, pero también se retrotrae a clásicos ya indiscutibles de Pixar como la fundadora Toy Story (el momento en el campamento al final, que recuerda tanto en su ambientación al cuarto donde el malvado niño Sid torturaba a sus muñecos). Además encontramos referencias externas como la saga de Harry Potter, en esas clases de la Facultad de Sustos que parecen más propias de Hogwarts, o en la competición, que recuerda al Torneo de los Tres Magos que tenía lugar en la cuarta entrega de la saga, Harry Potter y el cáliz de fuego. Pero frente a la oscuridad y el dramatismo del niño mago, Monstruos University nos regala toda una alegre fiesta de colores como sólo habíamos visto en los globos de la casa voladora de Up. Como la guinda del pastel, está la estupenda música de Randy Newman, que supera su trabajo en la primera (y era difícil) con los temas tan propiamente universitarios con trompetas y percusión.

Monstruos University es un precioso (en todos los sentidos) cuento en torno a lucha por los sueños, pero también, y eso es lo que la convierte en excepcional, la aceptación de las propias limitaciones. Una más que digna precuela y que no llega al nivel de Monstruos S.A. (ni creo que lo pretenda), pero que es absolutamente disfrutable en cada uno de sus aspectos, y nos vuelve a crear la ilusión de que los adultos somos niños, y los niños, un poco más adultos. No es el mejor Pixar, pero es un gran Pixar.

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Xavier Dolan estrena al fin su Laurence Anyways.

Hay películas en las que el creador pone tanto de sí mismo que es imposible diferenciar una cosa de la otra, ambos forman un todo indivisible en el que no se puede entender al autor sin la obra y viceversa. Así, podríamos decir que la canadiense Laurence Anyways es Xavier Dolan. ¿Y quién es Xavier Dolan? Un jovencísimo (24 añitos tiene el amigo) director, guionista, actor, productor, montador, diseñador de vestuario, etc etc  que con tres películas en su haber, se ha convertido en uno de los directores con más reputados en festivales (su presencia en Cannes ya es habitual). Realizador de películas que siempre tienen elementos autobiográficos (en este caso, más la ambientación y la época en la que transcurre la historia, lo que contribuye muchísimo a avivar su estética kitsch), Dolan reconstruye el camino de un profesor de literatura y escritor desde que toma la decisión, tras años ocultando su verdadera naturaleza, de cambiarse de sexo, pero que, a la vez, quiere continuar la relación que mantiene desde hace años con su novia, Fred.

Aunque desde luego no se puede negar que Dolan tiene talento (consigue imágenes de muchísima fuerza y expresividad) y ambiciones, no sería justo tampoco decir que es un director muy personal, ya que lo que realmente hace es montar la película como un puzzle a base de cosas que le gustan y va poniendo aquí o allá (ahora uso ralentís y música tan moderna como yo, ahora hago como en una película independiente de cámara en mano y primerísimos planos porque también soy un director serio, ahora introduzco una imagen metafórica para que veáis qué bien me expreso -aunque sea la primera en dos horas y no pegue nada-), ni que tenga las cosas clarísimas. Más que nada se trata de un autor total con pretensiones desmedidas. Dolan dilata así la historia durante casi tres horas, y lo hace no porque tenga nada especialmente relevante u original que contar (estamos ante un relato de amor que, tema de la transexualidad aparte, es bastante típico), sino porque eso le permite la posibilidad de lucirse visualmente en todos los aspectos posibles.

Una película excesiva en la que el estilo videoclipero y de anuncio publicitario (esa escena del baile, podría ser perfectamente un spot actual de cualquier colonia), apoyado en la banda sonora experimental de Noia, no logra conectar con lo que se cuenta. El contenido visual en ocasiones se desborda en una historia que, por otro lado, está bastante bien llevada. Dolan dirige una mirada cínica y cargada de humor sobre esa vida convencional y segura que casi todos acabamos aceptando, aunque pueda parecer que no estamos hechos para ello. Y, como bien afirma la película, no todo es culpa de la sociedad, sino de nosotros mismos, de ser lo suficientemente valientes y fuertes como para romper con las normas establecidas y vivir de la forma que deseamos y nos hace felices o no.

Dolan por primera vez no protagoniza su película, entre otras cosas porque los personajes ya se hallan en la mitad de la treintena. Así, los protagonistas pasan a ser el poco menos que magnífico Melvin Poupaud, con un complejísimo papel que nunca se le va de las manos ni llega  a parecer esperpéntico (al contrario de  casi todos los personajes de su entorno), y Suzanne Clément, premio Un certain regard a la mejor actriz en Cannes en 2012, que se entrega en cuerpo y alma a su temperamental Fred, a veces incluso demasiado, rozando el histrionismo en algunos momentos. Tras las cámaras, Dolan demuestra un estupendo conocimiento de las relaciones y los sentimientos a esas edades y su evolución, llevándolas a su extremo más pasional. También destaca el tratamiento de la figura materna, tan fundamental en su cine ya desde su primera película, Yo maté a mi madre, que en este caso da lugar a una conclusión positiva de la mano de la actriz Nathalie Baye.

Laurence Anyways es una película intensísima, cargada de emociones, que, en el fondo, no es tanto una crítica a una sociedad conformista e intolerante, sino un análisis de algo mucho más cercano, de las relaciones, de la incomunicación de una pareja, de cómo el desconocimiento de uno mismo hace imposible sacar las cosas adelante. Aspira a ser una gran e imposible historia de amor, pero, aunque funciona muchas veces, en ocasiones el afán por hacerse notar del director se come la película y saca al espectador de ella, de modo que uno no puede sentirse completamente identificado o emocionado. Esperemos que el propio mito que se está creando alrededor de Dolan no le acabe engullendo en sí mismo, y que con el tiempo pueda madurar y refinar su estilo para conseguir  equilibrar forma y contenido. Aptitudes para conseguirlo las tiene de sobra.

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La vejez sin disfraces, protagonista de La lapidación de Saint Étienne.

Normalmente en la ficción se suele mostrar la cara amable del paso del tiempo, con abuelos sabios y venerados por sus nietos, o bien en clave de humor con ancianos que no renuncian a recrear un pasado activo ya sea como astronautas o gangsters de la tercera edad. Pero hay una realidad oscura en torno a la senectud que se reserva a los informativos o a los periódicos, y que cada vez sorprende y escandaliza menos a un mundo que vive deprisa y se olvida pronto de sus mayores, son aquellos ancianos que viven y mueren en la más completa soledad o que son abandonados, en el mejor de los casos, en residencias como si de la liberación de una carga pesada se tratara.

Si hubiera que hacer una cronología sobre la vejez vista de esta manera en el cine, podría pasar por la constatación del desapego y la atención a los mayores que se refleja en películas como Cuentos de Tokio o Dejad paso al mañana, el afrontamiento de que la persona con la que se ha compartido toda la vida se nos va y necesita del cuidado de la otra incondicionalmente como retrata Amour de Michael Haneke, y finalmente, la continuación natural a esta última que podría ser la película que nos ocupa, La lapidación de Saint Étienne.

Ganadora del premio Fipresci  en el pasado Festival de Valladolid, La lapidación de Saint Étienne es la segunda película del director Pere Vilà i Barceló quien, después de analizar la adolescencia en su primer largometraje Paso a nivel, cambia por completo de argumento en su nueva cinta adentrándose en el declive de las personas mayores que sufren la vejez en soledad, haciendo alusión en el título a la lapidación metafórica hacia ellos por parte de la sociedad.

Etienne es un anciano restaurador de arte que se recluye en su piso con la única compañía de los recuerdos que guarda de su mujer. Gravemente enfermo se enfrenta con resignación a sus últimos días en una soledad voluntaria que se refuerza con el odio que su propia hija siente hacia él y que, cuanto más trata de echarle de su casa por cualquier medio posible, más obstinación provoca en Etienne para no hacerlo.

La degradación física y mental que vemos sufrir paulatinamente a Etienne tiene en el personaje de su hija su correspondencia con la degradación moral de una sociedad que mira hacia otro lado para no ver la soledad a la que se ven sometidos muchos ancianos en sus momentos finales, despreciados y abandonados incluso por sus propias familias.

El piso de Etienne es el marco limitado en el que la historia tiene lugar, sustentada interpretativamente casi en exclusiva por el gran Lou Castel, quien interpreta a Etienne de una forma estudiadamente plana, en un tono que no hace más que enfatizar la conformidad del protagonista de quien se sabe repudiado por los demás ante la monotonía de una vida que se acaba y que sólo se mantiene en pie por los recuerdos que guarda en esa casa que actúa como única confidente del anciano.

Solamente interrumpido por las intervenciones alteradas de Marie Payen, interpretando a la hija de Etienne, el ritmo pausado de la narración acompaña fielmente esa rutina a la que se llega cuando ya no se tiene nada más en la vida que levantarse un día tras otro a esperar el final. Estorba sin embargo que en determinados momentos en los que Etienne se encuentra en su estado más melancólico, Vilà i Barceló opte por incorporar melodías tristes para subrayar esa melancolía, pero se agradece que en las escenas más duras decida no introducir música que intenten llevar al espectador a una emoción impuesta.

Si hay que poner un pero, quizá no se desarrolle muy bien la relación entre padre e hija, que hace que en algunos momentos nos pueda chocar esa animadversión tan exagerada al no conocer el origen de la misma.

La lapidación de Saint Etienne es una película dura, desagradable y muy difícil de ver sin que se remuevan conciencias, pero al mismo tiempo de obligado visionado tanto por el fondo como por ser una de las mejores películas que han tratado la vejez y la soledad de una manera tan cruda.

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Martin Scorsese nos regala el adelanto de su nueva película.

Se dice que Jordan Belfort, el joven broker que revolucionó Wall Street en los años 90, llegó a ganar 12 millones de dólares en una operación que no superó los tres minutos de tiempo y que su firma llegó a recibir visitas de la Mafia, interesada en saber cómo unos tipos con cartera podían acumular tanto dinero en tan corto espacio de tiempo. No parece extraño, dicho todo esto, que alguien como Martin Scorsese haya elegido la autobiografía de Belfort para inspirar su próxima película con la que el director neoyorquino parece recuperar las señas de identidad de su cine. Os dejamos con el trailer de The Wolf of Wall Street.

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Llegó la hora de decir Auf Wiedersehen.

Como suele ocurrir con todas las cosas buenas, el Festival de Cine Alemán se terminó, un año más, demasiado rápido. Pero un año más también hay que elegir quedarnos con las cosas buenas y alegrarnos de haber podido ver un buen puñado de películas que nos han hecho reír, llorar, pensar, debatir y disfrutar al fin y al cabo de lo que más nos gusta, que es esto del cine. También ha sido un auténtico placer poder hablar de primera mano con directores y actores que nos han contado su visión sobre su cine, y de este modo hemos podido descubrir un poco más cómo se trabaja en Alemania. Pero antes de acabar, vamos con lo que realmente importa, que es comentar un poco las dos películas que vimos en la última jornada del Festival, Caída libre y Culpables son los otros.

Como comentamos en el artículo de la introducción, ya habíamos tenido la ocasión de ver Caída libre en el pasado Festival de Berlín. Marc lleva una vida totalmente convencional y aburguesada junto a su novia embarazada y al lado de su familia, pertenecientes al cuerpo de policía. Siguiendo la tradición familiar, Marc se prepara para policía en la academia donde su compañero de habitación Kay, comienza poco a poco a insinuársele, hasta que finalmente cae en la tentación y comienzan una relación a escondidas que hará tambalear la perfecta vida de Marc. Los primeros encuentros sexuales entre Marc y Kay recuerdan muchísimo al primero entre los protagonistas de Brokeback Mountain y, de hecho, al igual que el Enis del Mar de la mencionada película, Marc es quien adopta el rol activo en la relación como descarga de sus sentimientos contradictorios ante una situación y un deseo tan prohibido como inesperado. Aunque Caída libre tenga lugar en la actualidad, no deja de tener más paralelismos con aquella en cuanto a la homofobia latente en los respectivos entornos, y sobre todo en la hipocresía del personaje principal para con sus relaciones. No es que Marc no sepa lo que quiere, es que lo quiere todo y el miedo a perder su estabilidad familiar o su recién descubierto amor por Kay, le obliga a mentirse incluso hasta a sí mismo.

Al margen de algún que otro fallo de guión que provoca que haya detalles de la película poco convincentes, Caída libre tiene un argumento que, si bien no resulta del todo original, se hace tremendamente interesante y la verdad es que pocas pegas se le pueden poner a la cinta del debutante Stephan Lacant ni a nivel técnico ni, por encima de todo, a nivel interpretativo. Rodeados de un gran elenco de secundarios, Hanno Koffler y Max Riemelt, que interpretan a Marc y a Kay respectivamente, realizan un trabajo perfecto con sus personajes, añadiendo además una química y una compenetración entre ellos memorable.

Es una pena que una película tan interesante como Caída libre sea de momento sólo carne de festivales como este en nuestro país. Esperemos poder verla en algún momento estrenada en el circuito comercial.

Y si lamentamos no ver de momento en salas en España Caída libre, se puede decir lo mismo de Culpables son los otros, impresionante película con la que cerrábamos esta edición del Festival. Casualmente, se trata, al igual que Transpapa, del trabajo de fin de carrera en la Academia de Cine de Baden-Wurttemberg del joven director Lars-Gunnar Lotz, que demuestra una enorme madurez a la hora de conducir con una sutilísima sensibilidad todas las contradictorias facetas de la historia que cuenta: Benjamin es un delincuente muy agresivo que llega no muy convencido a un centro de reinserción social para jóvenes, donde sus pobres esperanzas de salir adelante con su vida se desvanecen al darse cuenta de que la trabajadora social del centro es una mujer a la que atracó meses atrás, descubriendo las terribles consecuencias que tuvo su delito.

Los actores de esta película representarían conceptos, empezando por el protagonista Edin Hasanovic, que casualmente también participó en otra película sobre delincuencia juvenil que hace dos años estuvo en el Festival, Picco, con la que tiene algunos aspectos en común, pero, aunque igual de crudas, la frialdad de aquella aquí se sustituye por pasión y rabia. Hasanovic realiza una radiografía de la culpa y el arrepentimiento desde una perspectiva en la que el perdón y la redención no tienen cabida. Julia Brendler, por su parte, personifica la conmoción de enfrentarnos a aquello que predicamos como verdadero desde la distancia, y darnos cuenta de que no todo es tan objetivo cuando el afectado es uno mismo. Por mucho que creamos los contrario, siempre hay algo que se escapa a nuestro control, y que nos hace replantearnos todo aquello en lo que creíamos.

Culpables son los otros es una película absolutamente carente de pretensiones adoctrinadoras o sensibleras, cargada de tensión, de silencios y de sentimientos que acaban explotando y arrasando con los espectadores de la sala de cine, quienes, tras el fundido en negro final, se quedan unos segundos pegados a la butaca, aturdidos por la desesperanzadora mirada hacia el futuro que acabamos de visionar.

Y de esta manera hemos terminado esta edición de aniversario del Festival, que queremos cerrar de una manera un poco original, con el hipotético palmarés que, en el caso de que lo hubiera (ya sabemos que este festival sólo hay un premio, el del público), es como nos hubiese gustado que resultara, y además sirve para destacar las películas y los aspectos de ellas que más nos han gustado. El palmarés sería:

Mejor película: Culpables son los otros

Mejor director: Pola Beck, Nuevos horizontes

Mejor actriz: Barbara Sukowa, Hannah Arendt

Mejor actor: Edin Hasanovic, Culpables son los otros

Mejor guión: Sarah Judith Mettke, Transpapa

*Menciones especiales: Aylin Tezel, Nuevos horizontes, y Hanno Koffler y Max Riemelt, Caída libre

El año que viene más y mejor. Tschüss!

Artículo de Sofia Perez Delgado y Mari Carmen Fúnez

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Charlamos con Stephan Lacant, director de Caída libre.

Tanto el viernes como ayer sábado el director Stephan Lacant estuvo en Madrid para presentar en el Festival de Cine Alemán una de las películas más importantes de esta edición, Caída libre, que fue la encargada de inaugurar la sección Perspektive Deutsches Kino en la pasado Festival de Berlín. Tras su proyección el viernes por la noche, tuvimos una entrevista íntima con Lacant (más que nada porque fue en una esquina del Cine Palafox sin apenas luces, ya que a esa hora ya lo estaban cerrando), en la que nos resolvió muy amablemente todas las posibles dudas que nos surgieron sobre la película.

Antes que nada, me gustaría comentar que es la segunda vez que he visto la película, la primera fue en Febrero en la Berlinale, y allí por lo que pude ver la acogida por parte del público alemán fue muy buena. Me gustaría saber si la respuesta ha sido igual en su estreno en salas hace solamente tres semanas [el 23 de Mayo].

La recepción ha sido muy buena, ha tenido muy buen arranque. Las últimas tres semanas ha estado en la segunda posición en la lista de las películas más vistas. Y además se ha vendido muy bien, en Suiza se va a estrenar en Julio, luego vienen Francia, Estados Unidos, Inglaterra…

¿No les daba miedo que el hecho de que la película contenga escenas sexuales muy explícitas pudiera influir negativamente a la hora de promocionar o vender la película a determinado público o en ciertos países?

No, en absoluto, no pensamos en ello porque es una película de bajo presupuesto, rodada en muy pocos días, y esos momentos no estábamos pensando en distribución, o si se iba a vender o no. Lo que queríamos era hacer la película que nos habíamos propuesto. Además, creo que es mucho más sincero hacer una película así, si muestras la sexualidad tal y como es, me parece que la película sale mucho mejor adelante. Es mucho más valiente hacer las escenas de sexo tal y como son.

Creo que las comparaciones de Caída libre con Brokeback Mountain de Ang Lee son inevitables. Querría saber qué le parecen, si se inspiró en algún sentido en esa película, o por el contrario intentó alejarse de ella para evitar precisamente esas comparaciones.

Creo que Brokeback Mountain es una gran película, me parece que es un honor que la comparen con ella, no me parece en absoluto negativo, y es muy probable que en el subconsciente me haya influido, como te influyen tantas otras cosas a la hora de hacer una película. Evidentemente no queríamos hacer una película parecida, sino al contrario, queríamos contar una historia a partir de dos personas, y si nos ponemos a compararla yo creo que hay varias diferencias: para empezar, Brokeback Mountain hablaba de dos vaqueros en los 70, no es una historia de hoy día, como nuestra película, que cuenta una historia de ahora. Además, las escenas de sexo no son tan explícitas como en la nuestra. Y por último el papel de la mujer, yo creo que cuento de una manera mucho más abierta el triángulo amoroso, mientras que el papel de la mujer en Brokeback Mountain es secundario y no se llega a desarrollar igual.

El aspecto que más me impresionó la primera vez que vi la película, y en esta ocasión de nuevo ha sido así, es la extraordinaria química que hay entre los dos protagonistas. ¿Les tenía a ellos en mente en primer momento o fue un casting muy complicado?

Max [Riemelt] y Hanno [Koffler] para empezar son los dos muy buenos actores. El casting fue bastante largo, invitamos a bastantes actores alemanes de primera línea, a los que les enviamos el guión y les pareció muy bueno, pero en el último momento dijeron que no venían al casting, porque sus agentes no querían que fuesen encorsetados o que les pusieran la etiqueta de hacer papeles de homosexuales. Cuando empezamos el casting tardamos mucho en encontrar a Hanno. Nos pareció fantástico para el papel de Marc. Paralelamente encontramos a Bettina y a Kay. Max y Hanno ya habían hecho películas juntos, se conocían personalmente, y ya desde el casting, que es algo bastante frío, dos sillas frente a una pared blanca, vimos que entre los dos había muchísima tensión.

No me quedan muy claras las motivaciones del personaje de Marc, el protagonista. Es un personaje que me resulta poco empático, ya que no sabe lo que quiere, y no quiere renunciar a nada. ¿Es así como estaba concebido?

No pretendíamos hacer un personaje poco empático, sino al contrario. Para mí despierta muchísima empatía, es una persona que se enamora de otra persona, es secundario si es hombre o es mujer, y es cierto que habla poco y por eso su personaje es muy poco accesible, pero también es el que más tiene que perder en toda la película. Desde luego al personaje lo creé desde una sensación de amor y empatía.

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Rupturas por encargo y Transpapa en la recta final del Festival.

Hace cuatro años Matthias Schweighöfer y Friedrich Mücke nos encandilaron en el Festival de Cine Alemán de Madrid a todos los que pudimos ver la deliciosa road-movie Friendship! (que ganó el Premio del Público), y ahora Schweighöfer vuelve a poner la nota cómica a esta edición con Rupturas por encargo, que no sólo protagoniza, sino que también dirige y produce, alzándose así como sucesor del Til Schweiger de comedias como Barfuss o Un conejo sin orejas, pero con una diferencia bastante sustancial: al contrario que Schweiger, Schweighöfer es un buen actor, y con eso ya tiene mucho ganado. En esta película, interpreta muy convincentemente (de hecho, él es lo único creíble de la película) a Paul, el mejor empleado de una empresa especializada en rupturas de parejas. A punto de hacerse socio, Paul verá como su vida se tambalea cuando su novia, con la que no es capaz de comprometerse, le deja, y además le empiece a acosar el novio de una de las mujeres que le ha contratado, un tipo necesitado de cariño que es incapaz de soportar la soledad.

Rupturas por encargo ha sido la tercera película más taquillera de Alemania en lo que llevamos de año, y la película ganadora del Premio de Público en los últimos Premios del Cine Alemán. Schweighöfer muestra como director un cuidado formal por la película, que si bien no ofrece casi ningún alarde, si que tiene aspectos destacables como algunos  planos picados interesantes. La película es una mezcla entre comedia romántica, road-movie y buddy cop movie que toma algún elemento (pocos) de la comedia francesa del estilo La cena de los idiotas, pero mucho más de las películas del género estadounidenses como, por ejemplo, Ejecutivo agresivo. Tiene algunas reflexiones interesantes sobre las relaciones de pareja (especialmente esa crítica a la incomunicación y a la cobardía de no ser capaz de decir las cosas uno mismo), aunque acaba cayendo en todos los tópicos posibles, desarrollando la historia de forma completamente previsible hasta que termina con la consabida conclusión de lo bonito que es el amor. Tranquilos, no destripo nada, es algo que se sabe desde el minuto 1. Alargada en exceso, la película acaba cayendo en situaciones disparatadas y bochornosas, y algo de humor físico y soez que, sin embargo, y por suerte, sólo se da en momentos aislados y no es el hilo conductor de la película.

Si Matthias Schweighöfer hace de su interpretación lo mejor de lejos de Rupturas por encargo, su compañero Milan Preschel resulta más decepcionante, también porque carga con el peso de toda la parte más absurda. Es admirable el cambio de registro de Preschel tras haberle visto el año pasado en el Festival en la profundamente dramática Stopped on Track, eso no se puede negar, pero su personaje pone de los nervios con su histrionismo y por tanto, por mucho que la historia se empeñe en ello, nunca vamos a empatizar con él, si eso lo que consigue es que aún nos sintamos con más apegados e identificados con el “normal” y sufriente personaje de Schweighöfer.

La película no hace más que repetir un patrón, una fórmula inventada hace ya mucho tiempo, pero que, por lo que podemos ver, continua funcionando como enganche para arrastrar al público a las salas. Esto es lo que el público quiere ver, y por eso, me gusten personalmente poco, mucho o nada, películas como Rupturas por encargo son necesarias. Eso sí, en absoluto son representativas de lo que se está haciendo en Alemania actualmente (o por lo menos, no las únicas), como se puede ver cada año en el Festival, y es una pena que el público del propio país no sepa valorar la auténtica calidad que hay en su cine. Por suerte, en el resto del mundo sí lo hacemos. Cuestión de distanciamiento, supongo.

Podríamos decir que, comparada con Rupturas por encargo, la siguiente película que también vamos a comentar hoy, Transpapa, es el polo opuesto. Una película formalmente sencilla sobre la crisis de identidad y los conflictos generacionales que constituye el trabajo de fin de carrera de la directora Sarah Judith Mettke (que ha estado presente en el Festival y ha mantenido encuentros con el público tras las dos proyecciones). Transpapa sigue completamente los parámetros del cine indie actual y nos presenta a unos personajes incomprendidos (por el mundo y por ellos mismos) que, juntos, deberán empezar a entenderse. ¿Puede  haber algo más complicado que la relación entre una hosca adolescente y un padre transexual?

Basada en experiencias autobiográficas, en su ópera prima la directora ha tenido la enorme suerte de poder contar con Devid Striesow, uno de los actores alemanes más importantes y solicitados (le hemos podido ver, entre muchísimas más, en Napola de Dennis Gansel, la ganadora del Oscar Los falsificadores, Yella de Christian Petzold, o Three de Tom Tykwer), un hombre muy masculino que aquí hace un impresionante trabajo precisamente porque no hace de gay o travesti, no es un hombre vestido de mujer, simplemente es una mujer. Te acabas creyendo que lo es. Junto a él (o en oposición), la joven debutante Luisa Sappelt aporta toda la naturalidad y la amargura posibles a su retrato de una adolescente que intentará encontrarse a sí misma en la figura de un padre que ya no existe, y al que no sabe cómo tratar, o ni siquiera cómo llamar.

Transpapa es una película que se hace preguntas difíciles de las que siempre no da las respuestas, y cuando lo hace, no son las que podrían esperarse. De manera eficazmente divertida pero en absoluto insustancial, es un agradable acercamiento a una nueva forma de entender la tradicional concepción de la familia “normal”, analizando las consecuencias que llevan a la ruptura de este modelo, y concluyendo con que la felicidad individual de cada miembro de una familia, de un modo o de otro, será lo que consiga que ésta acabe más unida. Una de las películas del Festival que sin dudar dará lugar a mayores reflexiones tras su visionado.

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Hablamos con el protagonista de La lapidación de Saint Etienne.

Esta mañana hemos asistido al pase de la nueva película de Pere Vilà i Barceló, La lapidación de Saint Etienne, un drama sobre la vejez y la soledad protagonizado por el actor francés Lou Castel. Castel, quien tiene una carrera cinematográfica muy extensa y ha trabajado con directores de la talla de Fassbinder, Wenders o Visconti, ha venido a presentar la película y hemos tenido ocasión de charlar con él sobre su personaje y sobre su prolífica carrera.

- El papel que interpreta en La lapidación de Saint Etienne es muy duro y requiere también mucho trabajo físico, ¿cómo se preparó para él?

La mayor dificultad del papel reside en que es más descriptivo que activo. En el guión sólo se describían sus sentimientos y sensaciones cuando habla con alguien o cuando escucha un ruido, y eso es lo que yo tenía que transmitir con los movimientos de mi cuerpo. Afortunadamente estaba muy bien traducido al francés y pude captar todo lo que requería el personaje. Tengo una técnica propia para prepararme los guiones, utilizo colores que voy pintando unos encima de otros como una metáfora de los detalles que siente interiormente mi personaje, cada color me provoca una sensación distinta y con eso es con lo que trabajo. Mi personaje además tiene un tono de voz muy monótono y bajo, y sólo una vez tuve que repetir una toma para cambiar ese tono.

- Etienne, el protagonista de la película a quien da vida, se recluye en su casa y no hace caso a nadie aun a riesgo de quedarse completamente solo, ¿justifica sus actitudes?

Por supuesto, le justifico y entiendo perfectamente su actitud. De hecho he necesitado entenderle para poder interpretarle, si no no hubiera sido capaz de hacerlo. Etienne no es un Robinson Crusoe, él se ha creado su propio espacio alrededor y se vuelve loco por estar encerrado en esa casa. Yo necesitaba ver todas las mañanas la luz del sol porque el espacio era muy limitado y no quería acabar como él.

- La lapidación de Saint Etienne es la segunda película de Pere Vilà i Barceló. Para un actor como usted que ha trabajado con gente tan importante como Visconti, Fassbinder o Chabrol, ¿qué le aporta trabajar con directores prácticamente nóveles?

En la década de los 60 trabajé con muchos directores nóveles en aquel momento, como Liliana Cavani, con quien hice su primera película Francisco de Asís, por lo que para mi no es excepcional trabajar con directores jóvenes. Es muy interesante porque por lo general las óperas primas suelen ser muy originales y me encanta encontrar gente e ideas originales. En los 60 los directores jóvenes tenían una idea y querían expresarla de la manera que fuera, ahora es más difícil, más abstracto. Ya no es todo tan salvaje y tan improvisado como en aquellos años. Con esta película me sorprendí mucho al verla porque realmente muestra las emociones que estaban descritas en el guión.

- ¿Cómo llegó a protagonizar La lapidación de Saint Etienne? ¿Vilà le buscó expresamente para el papel?

Pere lo tenía muy claro, él insistió en que me quería a mí para el papel y a ningún otro. Me dijo que sin mi no habría película. Tiene una forma de trabajar muy distinta a lo que yo he hecho anteriormente. Con Liliana Cavani discutíamos sobre el papel antes de rodar. La película tenía un componente religioso y provocativo y yo le preguntaba a Liliana “¿qué hago? ¿corro desnudo por la iglesia? ¿cojo una cruz?…” y ella me decía lo que quería y yo lo hacía. Con Pere fue totalmente distinto, me dejó total libertad interpretativa y yo rodaba en una habitación mientras él estaba con el combo en otra, de manera que hasta que yo no acababa no veíamos las imágenes y no las discutíamos. Me sentí muy solo en el set de rodaje, pero el resultado ha sido muy positivo.

- No es la primera vez que rueda en España, ¿hay algún director español con quien le gustaría volver a trabajar aquí?

Me gusta mucho venir a España, estuve rodando un western en Almería y también rodé en Lanzarote, que me encantó. En los 70 contactaron conmigo varios directores españoles, pero el problema es el idioma. Yo nací en Colombia pero me fui con 6 años y por eso hablo poco español. Me gustaría mucho rodar aquí, pero el idioma me condiciona.

- Con una filmografía tan extensa como la suya, ¿podría nombrar una sola película de la que se sienta más orgulloso?

Es una pregunta muy difícil porque una película puede ser una obra maestra, pero a medida que pasa el tiempo vas tomando distancia con ella y ya no te emociona tanto. Hay diferencia además entre lo que haces en el set y la película en sí, a veces te ríes mucho y eres muy espontáneo en un rodaje y luego el film es muy dramático. Fassbinder por ejemplo era muy armónico, y esa sensación la transmitía en los rodajes. Si tengo que decir una, diría Der beginn aller Schrecken ist Liebe, una película alemana de Helke Sander que fue muy caótica y complicada porque rodamos en muchos idiomas.

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Nuevos horizontes y Speed – En busca del tiempo perdido, dos interesantes propuestas del Festival de Cine Alemán.

Este año, para nuestra alegría, no ha habido que esperar al viernes o el sábado para encontrarnos la gran afluencia de gente que es habitual los fines de semana en cada nueva edición del Festival de Cine Alemán. El miércoles y el jueves podían verse ya grandes colas para comprar entradas o para entrar a la sala, de esas que dan la vuelta a la calle. El calor de esta semana ha hecho que los espectadores corran a refugiarse a las frescas salas del Cine Palafox, atraídos por películas como Hannah Arendt, Transpapa, o las dos que vamos a comentar hoy, Nuevos horizontes y Speed – En busca del tiempo perdido.

A pesar de su juventud y de que Nuevos horizontes es su primer largometraje, la joven directora Pola Beck ya había recibido numerosos reconocimientos y había estado presente en festivales de primer nivel, como la Berlinale, gracias a sus cortos. Este trabajo también ha sido presentado con éxito por varios festivales, entre ellos el de Zurich, donde obtuvo el premio a la Mejor película en lengua alemana. La directora retrata su propia generación a través de dos universitarias de 25 años sin aspiraciones más allá que las de salir de fiesta y emborracharse, que no tienen claro su futuro y ni parecen preocuparse porque sea así. Pero llega un momento en la vida de todos en el que las cosas tienen que cambiar.

Nuevos horizontes es una película muy sensorial, de emociones casi físicas, que Beck transmite a través del uso que hace de las imágenes y el sonido. El problema es que la película no se mantiene así todo el tiempo, sólo al principio, para después contar la historia de una manera más tradicional y aparentemente ligera, incluso da la sensación de que banaliza algunos temas muy serios. Pero llega un punto en el que se quita la máscara (quizás la que puede que lleve metafóricamente la protagonista en una de las escenas) y hunde al espectador en un profundo drama. Y cuando digo que lo hunde, es que es así. Sin recrearse en la tragedia, ni efectismos, ni siquiera música que pueda condicionar al espectador, simplemente por la situación y la interpretación de Aylin Tezel (impresionante cómo va evolucionando su personaje), premio a la mejor actriz en el Festival de Torino, se consigue uno de los momentos más desgarradoramente tristes que recuerdo haber visto en una película, dejando a la sala de cine con el corazón en un puño.

Cuesta cogerle el tono a Nuevos horizontes porque es una película que refleja muchos tipos de estados, los propios del paso a la vida adulta de distintas maneras, en el que a veces hay momentos de felicidad, y otros que tienes que madurar a base de golpes. La película, como he dicho, está hecha a retazos de las emociones de la protagonista, y por eso va mutando y transformándose según sus circunstancias, un conjunto al que Beck le otorga una sensibilidad propia de su procedencia del mundo del arte y de la fotografía. Una película joven, realista e intensa, de lo mejor que hemos visto hasta el momento en el Festival.

Cuando estás cubriendo un evento en el que dependes de tu teléfono móvil y tu ordenador para todo, ver un documental como Speed – En busca del tiempo perdido, que habla de la adicción de la sociedad actual a la nuevas tecnologías no hace otra cosa que agobiarte aún más y hacerte sentir culpable. El director Florian Opitz nos cuenta en primerísima persona (es el protagonista absoluto, él y todo lo que le rodea, y no se cansa de remarcarlo) sus problemas de la vida moderna: el estrés, la falta de tiempo para dedicarle a su familia y amigos… A través de este documental, el director intenta buscar soluciones a sus problemas para conseguir ser más feliz. En su investigación, irá descubriendo por qué de la velocidad y la falta de tiempo son uno de los grandes males en la sociedad actual, y conocerá distintos modelos de vida con los que se sentirá más o menos identificado.

Lo que parte de una premisa interesante y empieza con una visión cínica y divertida, pasa a ser una película que, para tratar sobre la rapidez del tiempo, adolece de una falta de ritmo alarmante. De hecho, resulta bastante pesada, fundamentalmente debido a su estructura narrativa: el director se hace preguntas sobre su vida, se marcha a un lugar a buscar soluciones, no las encuentra, se hace más preguntas, se marcha a otro sitio… Y así toda la película, como esa “rueda de hámster” que tanto critica él mismo. Tiene un carácter episódico, y al final acaba siendo demasiado simplista en sus resoluciones de lo que es la buena y la mala vida, cuando es un tema realmente complejo, algo que queda demostrado en el hecho de que la película no llega a ninguna conclusión.

Si hace un mes criticábamos el documental Google y el cerebro mundial de Ben Lewis porque pretendía manipular al espectador en contra de internet y las nuevas tecnologías, Speed – En busca del tiempo perdido es absolutamente el polo opuesto, una visión completamente personal que no intenta convencer a nadie (más que nada porque no tiene argumentos para hacerlo), sino exponer sus indagaciones. Pero, ¿qué interés tiene eso? No digo que un documental tenga que darme las respuestas de la vida, pero limitarse a hacer preguntas sin dar ninguna solución denota falta de ambición. A veces no parece que el director quiera realmente solucionar sus problemas, simplemente se dedica a quejarse de que no le gusta su vida, pero el problema está en él, en que no sabe lo que quiere. Speed – En busca del tiempo perdido es un experimento demasiado personal, una especie de diario de vida del director, como para ser una película que realmente pueda interesar a un gran número de gente.

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